Si vous vous promeniez dans l'est de Detroit, vous pourriez tomber sur un trio de caddies montés au sommet d'un arbre sans branches ou sur un champ bordé d'aspirateurs débranchés qui témoignent silencieusement de la circulation en direction du centre-ville.
Ce sont des installations dans un musée d'art vivant connu sous le nom de The Heidelberg Project. La série de sculptures et de peintures en constante évolution, construite à partir d'objets oubliés par l'artiste Tyree Guyton, a transformé son quartier d'enfance en une exposition d'art de renommée internationale au cours des 36 dernières années.
« Il s'agit de la façon dont l'art et la créativité peuvent être utilisés pour parler des problèmes sociaux », explique Jenenne Whitfield, présidente du Heidelberg Project. « Cela vous attire. Cela vous fait faire une pause. Ce n'est que le début. »
The Heidelberg Project, vue de la rue, 2017
L'art trouvé (ou l'art d'objets trouvés) — où les artistes utilisent des objets jetés ou quotidiens pour créer des sculptures ou des peintures — nous fait réfléchir à notre relation avec les choses et l'environnement que nous voyons quotidiennement.
« Les routines nous font cesser de remarquer ce qui est beau », écrivait l'auteur Stephen Batchelor dans un essai pour le New York Times. « Mais si nous nous concentrons sur les détails, nous pouvons voir l'impact du monde sur les objets et sur nous… l'artiste attire l'attention sur les détails du monde qui sont également oubliés, tenus pour acquis ou ignorés. »
Une brève, mais riche, histoire de l'art trouvé
Le mouvement de l'art trouvé est enraciné dans l'œuvre de Marcel Duchamp. L'artiste franco-américain a défié les conventions au début du 20e siècle en arrangeant et en présentant des objets quotidiens comme des sculptures dans des œuvres qu'il a qualifiées de « ready-made » en 1915.
Marcel Duchamp avec son œuvre, Roue de bicyclette, en 1913.
« Choisir, sélectionner et décider d'[un objet] était le résultat d'une grande prudence... de ne pas utiliser mon sens de la beauté, ma croyance en une esthétique quelconque », a déclaré Duchamp dans une interview au Walker Art Center en 1965.
Cette absence de sentiment, que Duchamp appelait « indifférence », était un principe directeur dans les objets (une roue de bicyclette renversée montée sur un tabouret, une pelle suspendue au plafond) qu'il arrangeait pour ses pièces. L'approche de Duchamp a bouleversé la notion traditionnelle selon laquelle un artiste serait guidé par la passion ou une forte émotion.
Même s'il n'a produit que 13 ready-mades en quatre décennies, cette poignée d'œuvres a eu un impact sur les artistes conceptuels des générations suivantes. Duchamp a montré comment des objets fabriqués en série pouvaient être transformés par la composition ou la juxtaposition, contrastant avec des siècles de théorie de l'art qui suggéraient qu'un artiste devait être frappé par l'inspiration ou motivé par la beauté pour produire quelque chose d'unique.
Vous pouvez voir des exemples d'art d'objets trouvés à travers l'histoire si vous prenez le temps de regarder. Le peintre Pablo Picasso a expérimenté avec des déchets et des objets jetés il y a plus de 80 ans. Son œuvre, « Papier froissé », était exactement cela, un morceau de papier chiffonné enfermé dans du plâtre.
Jeff Koons, Three Ball 50/50 Tank, 1985
Dans les années 1950, l'artiste Jasper Johns a incorporé des morceaux de journal dans son œuvre majeure, « Flag ». Trente ans plus tard, Jeff Koons a dévoilé Three Ball 50/50 Tank, une sculpture contenant trois ballons de basket flottant dans un aquarium, un hommage audacieux et épuré à la vie. Interrogé récemment sur l'art trouvé, Koons a fait remarquer que les « ready-mades sont vraiment une forme d'acceptation du monde. »
Un an après la première de l'œuvre de Koons au Museum of Modern Art en 1985, l'artiste Tyree Guyton a commencé à travailler sur le Heidelberg Project dans le quartier de McDougall-Hunt. Guyton a trouvé l'inspiration dans l'espace entre son passé et son présent, un peu comme son compatriote de Detroit Charles McGee, qui a enseigné et encadré Guyton au College for Creative Studies.
Guyton a pris les animaux en peluche et les appareils abandonnés qu'il a trouvés en nettoyant des terrains jonchés de déchets et des maisons en divers états de délabrement, et les a transformés en déclarations.
« Guyton voulait dénoncer le gaspillage et la consommation », explique Whitfield. « Symboliquement, non seulement comment le gaspillage et la consommation imprègnent les choses que nous utilisons; mais aussi comment cela se traduit par la façon dont nous jetons les lieux et les communautés. »
Dotty Wotty House, The Heidelberg Project
Une maison peinte de pois surdimensionnés est devenue un moyen d'attirer l'attention sur le déclin du quartier d'enfance de Guyton. Là où d'autres auraient vu des voitures abandonnées et des ordures, Guyton a vu un paysage prêt à être réinventé.
« C'est brut et expressif, et je pense que c'est ce qui parle à différentes générations », déclare Whitfield. « Comme le disait Guyton, 'il y a de la beauté dans cette soi-disant laideur.' »
Le Heidelberg Project a été une installation en constante évolution. Des travailleurs municipaux ont démoli des pièces en 1991 et 1999, et des expositions ont été consumées par 13 incendies en 2013 et 2014.
« Nous sommes l'agneau sacrificiel présentant ce que la société est devenue », déclare Whitfield. « Chacun a une réaction différente. Et parfois cette réaction est de détruire une œuvre. »
L'histoire de l'art trouvé commence souvent par ce qu'un artiste voit dans les objets du quotidien. Mais l'art trouvé, c'est aussi le dialogue créé avec le spectateur. L'acte de regarder une œuvre prolonge la conversation, car vous apportez vos propres expériences et sentiments à ce que vous voyez.
Cet acte est ce que Whitfield appelle un « processus stratifié ». Dans ce premier moment, une pièce peut vous parler. Et vous pourriez vous détourner ou continuer à marcher. Mais ce sont les gens qui s'arrêtent et regardent plus profondément qui trouveront autre chose.
L'arche de Noé, The Heidelberg Project
Le Lieu Saint, The Heidelberg Project
Série d'horloges, The Heidelberg Project
« Vous curateur ce que la pièce signifie pour vous », dit Whitfield. « Cela peut sembler fantaisiste et fragile. Mais il y a tellement plus quand vous la regardez. »
Les installations en constante évolution et la nature organique du Heidelberg Project soulèvent la question de ce qui va se passer ensuite.
« On pourrait penser que c'est un musée et se demander : comment le préserver ? » dit Whitfield. « Mais Tyree [Guyton] pose une autre question. Comment vous préserver ? Parce que toutes les choses se décomposent et retournent d'où elles viennent. »
Et c'est là que nous pouvons entendre ce que Duchamp, Koons et Guyton nous disent depuis un siècle.
Le monde qui vous entoure vous affecte quotidiennement de manières que vous ne réalisez pas. Chaque objet que nous voyons laisse une impression. En vous montrant des objets trouvés dans un nouveau contexte, les artistes examinent continuellement notre relation avec le monde.
« Il ne s'agit pas de recycler des choses », dit Whitfield. « Il s'agit de recycler l'esprit humain. »
Pour en savoir plus sur The Heidelberg Project, consultez :
Image principale : Le Téléphone-Homard de Salvador Dalí, 1938 ; Images 2, 5-8 - Courtoisie des Archives du Heidelberg Project.
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